Nueva Figuración: Deira, Macció, de la Vega y Noé

Publicado en versión digital  de la revista Ñ (2010)

El cuarteto que cambió la pintura

El grupo Nueva Figuración fue en los 60 una bisagra en el arte argentino. Medio siglo después de su presentación en la galería Peuser, una exposición en Bellas Artes muestra por qué.

Por MERCEDES PEREZ BERGLIAFFA

JORGE DE LA VEGA. “Intimidades de un tímido”.
LUIS FELIPE NOE. “Paquete Mantegna”.
ERNESTO DEIRA. “Adán y Eva”.

Es fácil. Depende del gesto. De quien lo maneje. De la fuerza con que se tire, esparza, acumule, arrastre, reviente, a la pintura. En definitiva, depende de la intensidad. Del choque entre la materia y las bases, las superficies donde se pinta. De la conmoción que se produce en el espectador al observar lo pintado, la obra.

“Quiero que mi obra choque con el espectador con la misma intensidad con que chocan todas sus partes entre sí, por pequeñas que sean”, decía uno de ellos.

Con esa intención de llevar la materia al límite, de jugar a buscar una forma humana distinta, una voz propia, es que se juntaron estos cuatro amigos a compartir vida, taller y pintura. Jorge De la Vega, Rómulo Macció, Ernesto Deira y Yuyo Noé, cuatro monstruos de la pintura nacional, cuatro pesos pesados que comenzaron como comienza todo: buscando, conversando y pensando. Creando y observando atentamente donde la materia (la pintura), la curiosidad y el conocimiento los fueran llevando. Pero era sobre todo la materia, porque fue ella la gran protagonista de esta historia. Ella, llevada hasta los límites, dentro de la figuración. Señores, he aquí la neo-figuración nacional. O lo que es lo mismo: la pintura amaestrada. Es ella la que se expone por estos días en las salas del Museo Nacional de Bellas Artes.

El estallido de la pintura se llama la exhibición, con la curaduría de la historiadora del arte Mercedes Casanegra. Centrada en cuatro años explosivos, los que van del 61 al 65, la exposición cuenta la historia del grupo de la Nueva Figuración local comprimida en obras y en tiempo. Como un concentrado de adrenalina y arte, esos años fueron los nodulares, al comprender de la curadora, para la existencia del grupo y para el quiebre que produjeron a nivel artístico, formal. Mediante una curaduría más bien histórica, tradicional, la exposición se organiza en cinco núcleos cronológicos, que es posible recorrer en orden. En ella, nada de riesgos: a la hora de colgar las obras, mandó la sobriedad.

Corría el año 59 y los grupos de artistas en nuestro país eran grupos de amigos. Fue cuando Yuyo Noé inauguró su primera exhibición, que visitaron Alberto Greco, Rómulo Macció y Jorge de la Vega, sin conocerlo demasiado, por curiosidad. Fue en esos días que se hicieron compinches y decidieron juntarse seguido a hablar de pintura, de búsquedas, de desafíos, de nuevas tendencias.

Un par de años más tarde, cuando el padre de Yuyo decidió liquidar Noelis, la sombrerería que tenía la familia en San Telmo, le dejó ese inmenso espacio para pintar. Noé entonces se fue a trabajar ahí. Poco después se le unieron Greco, Macció y De la Vega. Más tarde se incorporó también Deira, un conocido de Macció. Y entonces sí. Ahí, después de un par de años de trabajar y discutir, presentaron la primera muestra conjunta en la galería Peuser. Todos menos Greco, que no se sentía figurativo (eso, según él, era un retroceso para su obra). Era el año 61, el mismo con que se inicia esta exposición en Bellas Artes.

Un primer viaje del grupo a París, con motivo de una beca obtenida por Noé, les permite a los integrantes ver en vivo y en directo obras que sólo habían conocido a través de revistas llegadas a la Argentina en barco. Y los pone al día con la revalidación pictórica de la figura humana. De hecho, fue en esa misma ciudad, durante los años 61 y 62 que el crítico francés Michel Ragon había denominado “nueva figuración” a un tipo inédito de pintura figurativa, mientras que otro crítico, Asier Jorn, había llamado “des-figuración” al mismo tipo de obras.

Estando en París, el grupo se dio cuenta de que la cosa estaba pasando en otro lado, y decidieron viajar, más tarde, a Nueva York. Allí, bajo épocas de posguerra, la ciudad era el centro artístico del mundo, y había recibido el oleaje de artistas e intelectuales inmigrantes europeos que había huido de la muerte y de la pobreza hacia los Estados Unidos.

Al llegar el grupo ya se había realizado la exposición “Nueva imagen del hombre” en el MOMA, con trabajos de Karel Appel, Francis Bacon, Leonard Baskin, Jean Dubuffet, Alberto Giacometti, Leon Golub, Willem de Kooning y Jackson Pollock, entre otros, que interesarían luego a nuestros neo-figurativos. Esas obras testimoniaban que la carne humana como se la había pintado hasta entonces no corría más; que había que deshacerla, desintegrarla con toda la furia que dejaba la impotencia, los recuerdos de la guerra; y que la pintura era entonces, más que un medio frágil y delicado, una masa más que lanzar sobre la tela, una y otra y otra vez… En definitiva, era cuestión de pintar la figura humana mezclando técnicas del informalismo, de la action-painting (el pintar con movimientos autómatas, donde importan más ellos que lo que se pinta, como hacía Pollock), del dripping (chorreado, también usado por Pollock), del all-over (no dejar espacio sin cubrir en la tela), del art brut (como Dubuffet), y de lo popular (como Warhol).

Ayuda a comprender estas obras y técnicas recorrer las salas 23 y 24 del Museo. Allí se pueden observar dos Pollocks, un Rohtko, un Antonio Saura, un Franz Kline… Y se ve que lo que tomaron los neo-figurativos de ellos fue la libertad de los gestos, de cómo usar la pintura.

En El estallido de la pintura se ven estas influencias y, también, cómo cada uno de los artistas tiene una voz propia, a pesar de haberse movido de a cuatro. Por ejemplo, en las pinturas de Deira de alrededor del 64 se ven líneas nerviosas, entrecortadas, a veces chorreadas, a veces cargadas de materia, como en la obra “El paquete vasculonervioso”; mientras que en las de las primeras épocas, se observa que Deira pintó “a lo de Kooning”. Los trabajos de Macció, en cambio, tienen grandes planos plenos, lisos, con colores opuestos entre sí, combinaciones estridentes a veces con una paleta algo pop y masas conformadas por pequeñas texturas realizadas a través del dibujo, de la línea.

Noé en esos años insiste en romper con el marco del cuadro, en dividirlo, convirtiendo prácticamente todo en instalaciones o despliegues volumétricos pintados, como ocurre con “Paquete Mantegna”, basada en el “Cristo muerto” del renacentista.

Finalmente, en las obras de Jorge de la Vega vive un bestiario que arremete, monstruos hechos con materiales extra-pictóricos, telas pegadas, vidrios, cerámicas, plásticos, fichas de juego, estopa, hilos… “La explicación, para mí, es que en el alma de cada señor solemne existe un hippie, un chico que quiere tirar por la ventana los prejuicios y no puede”, decía De la Vega en esa época. Pero él, pintor, músico, cuasi arquitecto, poeta y showman, sí podía.

Del grupo, hoy sólo viven Noé y Macció. A pesar de ello, la revancha que hicieron del hombre a través de la pintura marcó y sigue marcando un quiebre histórico en el arte argentino. Para ellos, antes que nada, era la libertad. Y eso muestran sus pinturas, vigentes aún hoy, cincuenta años después.

FICHA

NUEVA FIGURACION 1961-1965 / EL ESTALLIDO DE LA PINTURA

LUGAR: Museo Nacional de Bellas Artes. Av. del Libertador 1473

FECHA: Hasta el 16 de enero

HORARIO: martes a viernes de 12.30 a 20.30. Sábados, domingos y feriados de 9.30 a 20.30

ENTRADA: Gratis

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